Critisism

 

 

 

 

-Julie schafler dale, owner of julie artisan’s gallery

 

 

For the past three decades, I have been seduced by the Art To Wear movement, centered initially in the United States and later expanding abroad.  I have watched it evolve as time passed and seen it present many different faces, reflecting many different spirits. This international movement has, in fact, found its identity in this very diversity, each piece speaking first about its maker and expressing the unique fiber of that individual’s life, time, place and history.

 

 

When I was introduced to the work of KJ Moon I was deeply struck by the qualities that differentiated it from the American movement and yet simultaneously made it very familiar.  I was struck by a vibrant love of color, sometimes bold and exuberant in its juxtapositions, and, at other times exquisitely subtle and reverent of “motherly earth”. I was intrigued by the elegance and fantasy of the forms, which were both retro and futuristic, yet consistently provocative. Underlying all, I sensed a relentless discipline, found in a thousand details of construction coming together to create a bold architectural whole.  I was fascinated by these nostalgic yet avant-garde pieces, precisely because they combined these qualities in such unpredictable ways. 

 

 

Ultimately, Moon has created a unique, cross-cultural aesthetic that references her roots in Korea as well as her particular history. The vocabulary of KJ Moon’s work is well-known to all of us who have followed the Art To Wear movement, but her “stories” are indeed her own.

 

 

 

 

 

 

무명을 디자인하는 디자이너 문광자에 대해서.

                                                                                                                                                                                          

 

 

 

 

 

 

 

 

                                                                                      - <하퍼스 바자> 편집장 전미경

 

사랑은 놀랍고 기적 같은 감정이다. 사랑이라는 감정이 빗물처럼 영혼에 스며들면 인간은 누구나 욕망에 시달리게 된다. 느끼 고 싶고, 만지고 싶고, 자꾸만 들여다보고 싶어지면서 이전에 알지 못한 세상을 경험해보고 싶어지는. 소재를 향한 디자이너들 의 사랑도 마찬가지다. 그 운명적인 만남의 결과는 누구도 예상치 못한 창작 과정을 거쳐 패션사에 길이 남는 아카이브가 되곤 한다. 코코 샤넬과 트위드가 그랬고, 발렌시아가와 실크, 이세이 미야케와 플리츠, 미우치아 프라다와 나일론이 그랬다. 디자 이너 문광자와 무명의 만남도 비슷하다. 그저 소박한 서민들이 즐기던 무뚝뚝한 질감의 무명을 어루만지고 쓰다듬어가며 만 들어낸 옷들은 입기 위한 용도로만 바라보기엔 지나치게 서사적이고 아름답다. 마치 옷이 말을 걸어오는 듯한 그녀의 작품들 은 소란스러운 세상과 무관한 고유함을 지니고 있고, 세상에 딱 하나뿐이라는 간절함에 뒤돌아보게 한다. 쉽게 만나고 버려지 고 잊히는 사랑처럼 패스트 패션을 당연하게 여기는 작금의 디지털 세상에서 평생을 마음 한쪽에 간직하고 싶은 사랑처럼 여 운이 남는 그녀의 옷들이 지닌 힘은 놀랍도록 세련되고 감동적이다.

 

책 한 권을 더 준비 중이라는 소식을 듣고 다른 취재 때문에 광주에 들른 길, 오랜만에 드맹의 아틀리에를 찾았다. 그날도 그곳 엔 폼 나게 차려입은 드맹의 오랜 단골 고객들이 서둘러 들이닥친 더위를 피해 입을 여름 원피스를 고르고 있었다. 기품 있는 전라도 여인들 특유의 예리한 눈썰미를 가진 중년 여성들 사이에선 청담동에 즐비한 수입 브랜드 부티크에선 좀처럼 들어본 적 없는 고상한 대화가 오고갔다. 오래전 이브 생 로랑의 아틀리에가 이랬을까 생각하며, 난 소설 속에나 등장할 법한 그 시간 과 풍경을 관찰자적인 시점으로 조용히 즐기다 나왔다. 아름다운 것들은 서로 영향력을 발휘하는 법이라더니 무명과 문광자 가, 문광자와 그녀의 우아한 고객들이 그런 듯했다.

 

 

수많은 디자이너가 자기만의 컬렉션을 선보이며 패션계에 데뷔하지만 수십 년이 넘도록 확고한 아이덴티티를 지키면서 고객 들에게 사랑받는 디자이너는 흔치 않다. 그만큼 패션계는 한결같이 인정받고 존중받기 어려운, 트렌드라는 정의로 모든 서열 이 매겨지는 정글 같은 곳이다. 그래서 분명한 자기 것이 없으면 여지없이 잊힌다. 문광자의 컬렉션 전체가 무명으로 완성되는 것은 아니지만, 적어도 무명이라는 사라져가는 전통 소재를 갖고 그녀가 부리는 마술은 감히 동시대적이니 어쩌니 하는 표현 따위로 정의하고 폄하하고 싶지 않을 정도로 독창적이고 회화적이며 조형적이다. 장미의 정원처럼 아름다운 자수가 소매 끝 을 타고 올라가는가 하면, 네크라인 위에서 레이스가 꽃을 피우고, 스페인의 건축물이 떠오르는 에스닉한 컬러들이 드레스 위 에서 여봐란듯 춤을 춘다. 그 다채롭고 쿠튀르적인 작업은 어디서도 느껴본 적 없는 기묘한 메시지를 전한다. 담백한 자수, 보 석 같은 단추, 그림 같은 패치워크, 기하학적인 커팅, 거기에 문광자 특유의 컬러 플레이가 더해져 단조롭지 않고 지루할 새 없 는 작품들은 에디터로 하여금 가슴 깊이 숨겨둔‘전시’의 욕망을 불러일으킨다.

 

아쉽게도 현존하는 대한민국 디자이너 컬렉션 중 글로벌 마켓에 보여주고 싶을 만큼 확고한 아이덴티티를 가진 컬렉션은 손 에 꼽을 정도다. 하지만 적어도 문광자의 컬렉션만큼은 언젠가 파리 그랑 팔레를 수놓았던 이브 생 로랑의 거대한 아카이브처 럼, 혹은 파인 아트 작품처럼 장식미술관에 전시되어있던 드리스 반 노튼의 아카이브처럼 세계적인 갤러리에서 더 많은 이의 공감을 얻는 날이 올 것이라고 나는 믿는다. 아티스트들은 세상을 해석하고, 우리는 그 아티스트들을 해석하려 들지만 디자이 너 문광자만큼은 요란한 해석보다 그저 담담히 지켜보고 싶은 디자이너 중 한 사람이다. 어떤 시대든 패션계에는 트렌드를 뛰 어넘어 자신만의 독창적인 세계로 사람들을 끌어들이고 리드하는‘점퍼(jumper)’들이 있었고, 문광자라는 디자이너 또한 훗 날 대한민국을 대표하는 점퍼로 기록될 디자이너이기 때문이다.

 

 

 

about the Moomyung Designer, Moon Gwangja

                                                                                                – Mikyung Jeon, editor-in-chief of Harper’s Bazaar Korea 

 

Love is an electrifying and miraculous emotion. When love, like drops of rain, touches your soul, it causes a sweeping desire to feel, touch, delve more deeply, and a yearning to experience the world that was previously unknown to you. The emotion that designers feel for their materials is no different. Fashion history is made by kismet when a designer finds the right material: Coco Chanel found tweed, Balenciaga found silk, Issey Miyake found pleats, and Miuccia Prada found nylon. Kwang Ja Moon’s encounter with moomyung created this same fate. Moomyung was once a utilitarian fabric favored by the working class of Korea, but once Moon tamed its threads and brought forth a narration too beautiful to be ignored, the textile became so much more. Moon’s work speaks to you with an elegant originality that is able to silence this boisterous world. People delight in knowing her work is unparalleled and without equal anywhere in the world. Her sophisticated designs are in direct contradiction to contemporary and fast-paced fashion in the same way that a sophisticated love is in contradiction to a shallow and easily discarded romance. I visited Moon in her atelier in Gwangju when I heard she was preparing for her second book about moomyung. Her atelier was crowded with women shopping for summer dresses to stay cool for the season that seemed to have arrived so suddenly. These elegantly attired women from the Jeolla Provinces, a region well known for fine art and cuisine, all appeared to be in deep discussion. The depth of their conversation was something you don’t hear often in the high-fashion district of Seoul. The district, Cheongdam, is filled with boutiques that sell brands from around the world. I sat and watched these women conversing and wondered if the scene at Yves Saint Laurent’s atelier was anything like this. Some say beautiful things influence each other. I believe that Moon and her clients certainly do.

 

There are many designers who create new collections each season, but it is rare to find a designer who is both confident in her identity and so unfailingly loved by clients. The fashion world is a jungle where designers are usually ranked by trendiness. Few earn widespread acceptance and respect. Often, designers are quickly forgotten if they do not have something unique to contribute that is theirs alone. Moon’s collection is not simply a presentation on moomyung. Typical fashion terms cannot describe her work with any justice. She works with a fabric that is distinctive, narrative, and three-dimensional, but was also once on the verge of being forgotten from disuse. Moon creates blossoms that climb garment sleeves like a rose garden and flowers that bloom at necklines in a dance of colors reminiscent of colonial Spanish architecture. Her exquisite embroidery, jewel-like buttons, picturesque patchwork, geometric cutting, and unique use of colors allow no space for boredom. She has found a way to communicate a message that people have never heard before with her diverse couture collection. Moon’s work has awakened in me a desire to own, wear, and exhibit these works of art.

 

Today there are only a handful of Korean designers that produce collections with identities distinct enough to appear in the global market. In time, I believe Moon’s work will illuminate the galleries of institutions throughout the world the same way the archives of Yves Saint Laurent are revered in the Grand Palais, or the cerebral work of Dries Van Noten is contemplated at the Musée des Arts Décoratifs in Paris. Artists interpret the world, and we like to interpret those artists. Moon, on the other hand, is one of those whom I would rather let be without attempt to translate. Every era, there are a few progressive “jumpers” who captivate and draw others into their unique world of creativity. Moon will go down as the jumper who represents Korea in the future.

lived her life and nothing will change her nature. She will always welcome those who come to her by encouraging them and listening to them. This is how I see my mother and this is how I see the same hidden iconography of all our mothers in moomyung.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

어머니, 디자이너 문광자, 그리고 무명

 

 

지금 글을 쓰고 있는 나는 전업 화가이자 조각가인 디자이너 문광자의 막내아들이다. 난 어머니의 옷을 참 좋아하고, 그녀의 옷에 대해선 늘 할 말이 많다. 어릴 때부터 줄곧 어머니의 옷 속에 파묻혀 살았고, 세상의 모든 어머니는 당연히 다 옷을 만드는 줄 알았으며, 커가면서도 어머니와 예술과 색채, 신앙에 대해 진지한 얘기를 나누는 것이 내 삶의 중요한 한 부분이었기 때문 이다.

 

그것은 어린 시절, 아주 어려서 내가 막 어머니의 거대한 재단용 가위를 이길 수 있게 되어, 이것저것 주위에 있는 종이며 옷가 지를 잘라보는 작은 테러(?)를 저지르고 다니던 때부터였다. 그때를 돌이켜보면, 어머니는 우리 남매들을 위해 외부 사업을 접 고 집 에 서 옷 을 소 소 히 만 드 는 일 종 의 ‘ 희 생 적 결 단 ’을 하 였 다 . 기 억 속 으 로 좀 더 들 어 가 보 면 , 작 은 집 에 있 던 작 업 실 엔 내 가 그 위에서 한참을 굴러도 될 만큼 큰 재단대가 방의 절반을 차지하고 있었고, 난 옷을 재단하시는 어머니의 주위를 탐험하며 시간을 보내곤 했다. 작은 창문에선 거의 하루 종일 햇살이 들어왔는데, 들어온 햇살은 천의 먼지와 간섭하여 광선처럼 공간을 비추고 서서히 그 각도를 달리해갔다. 난 그 햇살이 떨어지는 곳에 앉아 있길 좋아했는데 그냥 뭔가 특별해지는 느낌이 들어서 였다. 지금도 가끔 그 햇살의 느낌이 기억을 맴돈다. 그 작은 햇살 속에 누워 어머니를 바라보았을 때, 어머니의 표정은 무겁고 다소 심각했다. 미간은 주름을 만들고 있었고, 입술은 얇고 굳게 다물어졌으며, 시선은 어딘가 아래쪽을 응시하여 누군가를 꾸 짖는 듯했다. 난 어머니를 불렀다. 그런 어머니의 표정에 난 익숙하지도 않았고, 그런 어머니의 심각한 표정을 견딜 수 없었기 때문이다.

 

내가결국 “엄마!”하고부르면어머니는나를향해천천히고개를돌렸는데어머니의오뚝한코가나를가리킬때가되었을때 엔, 심각한 표정은 이미 사라지고 더 이상 화사할 수 없을 만큼 환한 미소로 나를 바라보시는 것이었다. 햇살 같은 어머니의 미 소에도 난 조금 불안한 듯 어머니에게 다시 물었다.“엄마, 화난 거 아니야?” 그러면 어머니는“아니야”라고 하면서 나를 꼭 껴 안아주셨다. 하지만 그러곤 잠시 후 어머니는 다시 작업을 시작하셨고, 다시 심각한 표정이 되었다. 그러나 난 같은 질문을 다 시 하지 않았다. 그 심각한 표정이 나를 향한 것이 아니라는 사실과 그 같은 과정이 반복될 것을 알게 되었기 때문이다. 그렇게 어머니의 옷과 일하는 모습은 내 어린 삶의 배경이 되었다.

 

그리고 그맘때부터 어머니의 옷을 한 벌, 한 벌 볼 때마다 난 한마디씩 평가의 말을 하였다. 그 말들이 어머니에게 그리 큰 영향 을 끼치진 못한 것 같지만, 반대로 어머니가 베푸신 성실한 반응은 내가 예술가로 살아가는 데 좋은 양분이 되었다. 그런 맥락 에서 난 어머니의 미학에 영향을 받아왔고, 동시에 평생 어머니의 옷을 비평하며 살아왔다고 해도 과언이 아닐 것 같다. 실제로 내가 그리는 그림은 어머니의 옷과 많이 닮았다. 원색의 대비를 비슷한 채도로 맞추어 배치하는 색채 사용이 그렇고, 형태의 균형감이나 화면상의 비대칭적 리듬감을 중요하게 생각하는 것도 그렇다. 수년 전 뉴욕, 하와이, 서울에서 연속으로 열린 어머 니와의 컬래버레이션 전시와 그 하모니를 중심으로 출간한 <무명 1>을 통해 이러한 어울림을 확실히 확인할 수 있었다. 그런데 내게 미친 이런 미학적 영향은 어머니의‘옷’만이 아니라 그녀의‘라이프스타일’ 전반을 통해 내게 입력되어진 것이다. 다시 한 번 기억을 되짚어보자. 어머니께서 내게 미친 영향은 내가 큰 개의 등에 타고 다닐 수 있을 만큼 여전히 작고 가벼웠을 무렵부터 시작되었다. 어머니가 아직 어린 나와 형 때문에 시내 중심가 매장 대신 얻은 변두리의 커다란 집엔 공원만큼 넓은 정원이있었다.그리고그정원엔두마리의큰개와 토끼가있었고,다보탑만큼높은소나무가중앙에있었다.그리고어머니 는 나와 형과 친구들을 위해 모래산을 만들어주셨다. 우리는 그 모래산을 무척 사랑했다. 모래산을 갖고 있는 아이는 당시에 우리 주변엔 아무도 없었기 때문에 모두가 우리 집에 오고 싶어 했고, 나와 친구들은 성을 만들기도 하고 수도를 끌어와 냇물 을 만들기도 하면서 놀았다.

 

어머니는 손님들을 초대하길 좋아하셨다. 적어도 일주일에 한 번은 어른이 20명쯤 모이는 저녁이 있었고, 아이가 20명쯤 모이는 낮이 있었다. 그리고 집 어딘가에는 친척이나 손님이 두서너 명쯤 식객으로 묵고 있었다. 석양이 질 무렵 내가 집에 들어오 면 어머니는 큰 응접실 소파에 앉아 손님들에게 둘러싸여 수다를 늘어놓고 계셨다. 그렇게 우리 집은 늘 열린 공간이었고, 사 람들은 그곳을‘살롱 드맹(Salon Demain)’이라 불렀다. 그곳에 오는 사람들은 그들이 파리의 살롱 문화와 비슷한 고급 사교 모임 속에 있음을 알고 즐겼다. 그곳엔 시인이 있었고, 조각가가 있었고, 피아니스트와 지식인들이 패션과 예술과 종교에 대해 대화를 나눴다. 그 많은 손님을 접대하기 위해 어머니와 직원들은 늘 바삐 움직였다. 그렇게 어머니는 그때나 지금이나 부지런 하고 잠을 많이 자지 않으신다. 사실 오수를 제외하고 어머니가 주무시는 모습을 본 기억은 최근이다.

 

내가 어머니를 경이롭게 생각하는 것은 사람들에 대한 끊임없는 애정과 연민, 쉴 새 없이 이어지는 대접이다. 나이가 들어감에 따라 점점 사람들에게 실망해가고, 사회의 부조리를 경험하면서 어머니의 이런 태도가 얼마나 평범하지 않은 것인지 더욱 실 감하고 있다. 아마도 이것은 그녀의 종교적 겸허함과 순종의 결과로 나타나는 것 같다. 어머니는 내게 끊임없이‘신의 사랑과 그에 대한 감사’가 행복의 비밀이라고 말씀하신다. 그리고 이러한 어머니의 긍정적 성품은 그녀의 옷에 핵심적으로 나타난다. 그리고 나는 그것이 유행의 법칙을 넘어 그녀의 옷이 영원성을 갖게 되는 힘이라고 믿는다.

 

 

디자이너 문광자의 추구

 

그녀가 미니스커트를 만들건 가슴이 파인 옷을 만들건, 혹은 히프가 드러나는 옷을 만들건 그녀의 옷엔 영원성에 대한 추구와 고상함이 깃들어 있다. 어머니의 옷은 그녀의 종교적 믿음의 깊이만큼이나 대단히 금욕적이다.‘패션’과‘금욕’이라는 단어가 도대체 어울리기나 하는지 의문을 가질 수 있을지는 몰라도, 그녀의 옷을 아는 사람은 그것이 보는 이나 입는 이에게 어떤 엄 숙함을 요구한다는 사실에 동의할 수밖에 없을 것이다.

이는 그녀의 옷에 매우 다양한 양상으로 나타나는데 때로는 선종적 미니멀리즘 형태로, 때론 수녀복이나 승복 같은 종교의상 의 코드로 나타나기도 한다. 또한 고대 로마의 토가나 장엄한 부조의 천 주름과 같은 이미지가 있는가 하면, 매우 소박하고 순 결하거나 반대로 화려한 꽃이나 동물 등 자연의 이미지로 나타나기도 하고 아프리카 바틱과 같은 주술적 패턴으로 나타나기도 한다.

 

또 주제적으로 그녀가 추구하는 영원성은‘세상과 사람에 대한 그녀의 사랑 고백’ 같은 것인데, 이것은 옷에 인간적이고 서정 적인 스토리를 덧입히는 것으로 나타나곤 한다. 말하자면 그녀의 옷 한 벌 한 벌에는 어떤 스토리나 인물이 연상되는 장치가 들어 있다. 때로는 1960년대의 아름다운 여배우나 성경 속 인물들이 연상되는 실루엣이나 코드를 넣기도 하고, 문학적인 이름 을 붙이기도 하며, 사람들에게 감동을 주었던 시나 영화를 옷의 모티프로 삼기도 한다. 그러한 옷은 입는 사람들로 하여금 서 사적 상상력을 갖게 하고, 어떤 행복한 판타지를 경험하게끔 해준다.

 

더 나아가 그녀는 사람들에게 어떤 철학적 메시지를 전달하길 바라는 것 같다. 더 정확히 말하면 그녀에겐 옷을 통해, 디자인 을 통해 한 사람과 세상을 더 낫게 변화시키려는 의도가 있는 것처럼 보인다. 우울한 사람은 웃게, 증오가 있는 사람은 부드럽 게, 나이든 사람은 젊게, 미숙한 사람은 성숙하게... 그래서 그녀의 옷을 입은 사람들이 그녀의 의도를 만날 때면 그녀의 옷 안에 서 일상의 지루함이나 권태를 벗어나 매우 특별한 해방의 시간을 갖게 되는 것 같다.

 

어머니의 옷은 그런 의도와 배경을 갖고 있으므로 독창적일 수밖에 없다. 독창적이지 않은 어떤 창작물이 사람을 정서적으로 자유롭게 하거나 세상을 변화시킬 메시지를 줄 수 있겠는가? 그래서 생각한다. 분명한 콘셉트에서 출발하여 옷이 형상화되기 까지 거침없이 진행되는 어머니의 에너지는 바로 이러한 치유적 메시지를 전달하고자 한 의도에서 온다고. 그래서 나는‘사도 (apostle)적 예술가’라는 표현이 그녀에게 적당한‘작위’라는 생각이 든다. 이러한 관점에서 그녀에게 옷을 만드는 행위는 예 배이며, 세상을 향해 던지는 긍정의 메시지다. 그 메시지를 공감하는 사람은 결국 그녀의 옷을 실용적인 태도나 유행의 일부로 받아들이는 것을 넘어서 자기 존재에 대한 치유와 공감의 경험으로 받아들이게 된다. 이것이 어머니가 자신을 둘러싸고 있는 고객들과 소통하는 방식이다.

 

 

문 광 자 와 ‘ 무 명 ’의 만 남

 

의도와 메시지가 아무리 좋다 해도 그것이 좋은 작품으로 만들어지지 못한다면 의미가 없을 것이다. 따라서 메시지를 옷을 통 해잘현현(顯現)하는것이중요한데,나는이것을 ‘성육화(incarnation)’라고부르고싶다.그리고이일의핵심은창작자의 목소리를 잘 담아줄 소재를 찾는 일일 것이다. 그런 의미에서 디자이너 문광자가 무명을 만난 것은 운명적 사건이다. 실상 그 녀는 무명을 만나기 전 30년 가까운 시간 동안 수만 벌의 옷을 디자인하면서 무명이 아닌 소재들을 사용했다. 그리고 그때에 도 소재의 성질을 잘 헤아려 자신의 메시지를 담으려 노력했다. 그런데 바로 이 과정을 거쳐왔기 때문에 처음 무명을 만났을 때 보자마자 그것이 그동안 자신이 전하고 싶었던 메시지와 닮아 있다는 확신을 갖게 된 것이다. 그녀가 자주 고백하듯이‘무 명은 그 자체로 문광자가 세상에 던지려는 메시지’였다.

 

그렇다면 무엇인가? 무명의 어떤 성격이 디자이너 문광자에게 그런 동질감을 갖게 했을까? 사실 글을 쓰는 이 시점에도 난 그 것이 무엇인지 모른다. 아마도 무명의 역사와 의미를 밟아가다 보면 어떤 실마리를 찾게 되리라고 기대해본다. 무명을 생각해 보자. 그 역사적, 철학적, 종교적 맥락의 미를 생각해보자. 우선 짚어야 할 부분은‘목화’라는 재료 자체가 무명을 특별한 것으 로 만드는 것은 아니라는 점이다. 목화는 많은 나라에서 재배해 사용해왔고, 우리나라에 들어온 것은 문광자의 먼 조상인 문익 점이 중국에서 들여온 이후이니, 우리는 한참 후발 주자라고 볼 수 있다. 다시 말해, 우리에겐 목화로 만든 천에 대한 독점권이 없다. 그럼에도 불구하고 무명이 우리 민족에게 주는 특별한 문화적 의미는 오히려 매우 우연히 형성된 삶의 상황으로부터 시 작되었다.

 

무명은 한때 서민을 상징하는 보편적이고 대단히 겸허한 천이었다. 농부도, 어부도, 주부도, 아이도, 거지도, 백정도 이 천으로 옷을 만들어 입었고 추운 겨울에도, 더운 여름에도 이 옷을 입었다. 염색도 사치스러워 온 나라 백성이 이 하얀 천으로 만든 옷 을 입고 온 땅을 뒤덮었다. 외부인이 만약 조선에 와서 이 사람들이‘백의민족(白衣民族)’이라고 생각하게 되었다면 그건 몇 몇 고위층이 입은 화려한 색채의 비단옷을 보아서 그러진 않았을 것이다. 오히려 저잣거리를 다녀도 보이고, 논이나 밭에서도 보 이 며 , 바 닷 가 에 서 도 보 이 는 , 그 대 중 이 입 고 있 는 흰 옷 을 보 며 우 리 민 족 을 ‘ 하 얀 옷 의 민 족 ’이 라 하 였 을 것 이 다 . 이 렇 게 무 명 은 한국인이 가지고 있는 유일한 전통적 이미지인‘백의민족’의 근거를 이루고 있는 소재다.

 

담박한 백성들. 사치스럽지 않고 겸손하며 순종적인 사람들. 그러나 다른 장식을 포기한 만큼 정말 중요한 일엔 고집을 부릴 수 있는 사람들이 바로 이 땅의‘무명 문화’가 상징한 우리 민족의 정서가 아닌가 추측해본다.
그런데 이러한 순수함과 겸손함, 희생과 절제를 상징하는 무명은‘이 땅의 어머니들의 노동’에서 탄생했다. 가난한 삶 속에서 선택한‘최소한의 고상함과 정성’이 바로 무명이라는 천으로 나타난 것이다. 무명의 한 올, 한 올에는 이 땅 어머니들의 손길이 담겨 있다. 내가 입고 피부로 느끼는 바로 그것이 어느 어머니의 손길에서 비롯된 것이라는 데서 오는 감동이 무명을 다른 어 떤 것보다 가치 있게 해주는 클라이맥스다. 디자이너 문광자가 본능적으로 감지한 무명의 아름다움도 바로 이 모성의 손길이 아니었을까....

 

무명실은 균일하지 않다. 그것은 이 땅의 어머니 수만큼이나 다양하고, 우연적이고, 수더분하며, 그러면서도 정갈하다. ‘모성 (母性)’의 맥락 안에서 무명의 정서는 흡사 정화수를 향한 새벽 기도와도 같고, 약 없이 배 아픈 아이를 달래는 어머니의 애절 하고 반복적이나 설명할 수 없는‘배 만짐’ 같은 것이다.

이렇듯 무명은 숭고한 모성에 기반을 둔 소망의 정서를 담고 있다.‘숭고함’. 숭고함이라는 단어 위에서 무명은 영적이기까지 하다. 그러나 이 숭고함은 다른 영적 상징물에서 우리가 종종 느끼곤 하는 귀족적 위화감은 아니다. 그것은 순수한 아이의 마 음을 갖고 그것을 바라보는 사람에게만 주어지는 주술이나 마술과 같은 인간 본성에 대한‘위로’다. 무명을만나고나서디자이너문광자는자신이가진것을다들이붓다시피하여그것을 사들이기시작했다.그비싸고투박한 천을.... 아마도 그녀는 순수와 진실이 사라져가는 이 시대에, 마지막으로 간직되어 있는, 아니 어쩌면 사망 선고를 받은 이 민 족의 아름다운 모성의 증거를 발견하고 그것을 외면할 수 없었을 것이다. 그리고 그것을 보존하는 것에 그치지 않고 자신의 디 자인과 창조성을 통해 이 시대에 맞는 새로운 형태로 다시 살아나 많은 이에게 전파되기를 바랐을 것이다. 그것은 그녀가 늘 읽 고 묵상하는 성경 속,“건축자들이 버린 그 돌이 모퉁이의 머릿돌이 된다”(베드로전서 2장 7절)는 가르침과도 일맥상통한다.

 

 

‘ 무 명 ’에 대 한 두 가 지 태 도

 

평소의 그녀는 무명옷을 만들 때 천에‘최소한의 간섭’만 하려고 한다. 그것은 자신이 감동했던 무명의 모성의 유산, 그 소중한 가치를 고스란히 전하고 싶어서일 것이다. 가능하면 올의 끝 부분까지 다 살려서 쓰고, 천의 한 부분도 잘라내기보다 접어서 사용하며, 이쪽에서 잘라낸 천을 저쪽에 장식으로 붙이는 식으로 소중히 다룬다. 다른 소재와 섞어서 사용하지 않고, 좁은 폭 의 이음매도 의도적으로 겉으로 노출시킨다. 원사의 불규칙성도 있는 그대로 보여주며, 무명의 무게감과 탄성도 오히려 강점 으로 살려내 절제되어 있으면서도 구조적인 독창적 디자인으로 탄생시킨다.

 

그러나 다른 한편, 그녀가 무명을 컬렉션을 위해 다룰 때의 태도를 보면‘무명을 더 이상 서민의 의상으로, 개량 한복이나 작업 복의 영역에 남겨둘 수 없다’는 단호한 의지가 엿보인다. 이때 그녀의 디자인에선 섬뜩할 만큼 과감함마저도 느껴진다. 그녀는 무명에 극도의 아름다움과 세련됨을 입혀 세상에 자랑하고 싶어 한다. 그렇다. 무명에서 민족의 근원적‘모성’을 발견했으니 이러한 그녀의 적극적 실험성은 충분히 이해되고도 남는다. 자신의 어머니를 초라하게 두고 싶어 할 딸은 없을 테니까. 그래서 그녀는 무명옷을 극도의 고급 의상, 오트 쿠튀르로 재탄생시켰다. 그 야망은 때론 그녀를 삼켜 무명이 세상 어떤 소재보다도 더 화려하고 장엄한, 기필코 소유하고 싶은 무엇으로 만들어버릴 때도 있다.

 

난 그 부분에서 어떤 아이러니를 느끼기도 한다. 마치 겸허했던 실제의 부처가 금빛 동상이 되어 있거나 성막이 화려한 성전으 로 변화되는 것 같은.... 그러나 무명을 서민적 수수한 존재로만 남겨두는 것은‘무명을 박물관에서 썩히는 것’과 같다고 그녀 는 생각한다. 디자이너 문광자에게 무명의 숭고함을 지키는 길은 오히려 무명이라는 소재의 미학적 요소를 극대화해 세상에 소개하는 것이다. 그리하여 무명의 가능성은 문광자의 디자인과 창작을 통해 역사 이래 처음으로 사람들에게 주목받는 주인 공이 되었다는 표현이 더 알맞을 것 같다. 언젠가 사람들은 무명을 이야기할 것이다. 유사 이래 가장 화려하고 값비싸며,‘모성’ 이라는 감성과 역사를 담은, 다시 만들 수 없는 희귀한 소재라고.

 

그리고 이 일을 수행하는‘사도’로서의 문광자는 끊임없는 자기 점검을 통해 무명에 대한 순수함을 증명해야 할 것이다. 가장 확실한 근거는 무명이 가지고 있는 본질인 모성적 사랑과 겸허함에 대한 조응이다. 바로 그녀 자신의 모성으로 세상을 바라보 는 것이다. 내가 볼 때, 이 일에 별도의 큰 노력이 필요하지는 않을 것 같다. 이미 진행되고 있는 일이기 때문이다.

사람들은 어머니를 좋아한다. 그건 손님을 대접하는 어머니의 손길에 아낌이 없고, 밥상이 늘 산해진미로 가득하기 때문일지 모른다는 생각을 해보았다. 선물하기를 좋아하기 때문이라는 생각도 했다. 받은 것보다 많은 것을 챙겨주면서도 사업이 망하 지 않는 비밀이 궁금해서라도 그녀를 가까이서 지켜보는 사람도 적지 않은 듯하다. 어쩌면 그녀의 긍정적 사고방식이나 친절 한 말투, 진실성 때문일 수도 있다. 어머니는 따뜻한 사람이다. 그러나 이 모든 장점에도 불구하고 내가 확신하는 이유, 즉 사 람들이 어머니를 좋아하는 가장 큰 이유는 그녀가 그 사람들을 좋아하기 때문이다. 어머니는 정말 태생적으로 사람들을 좋아 하신다. 그리고 그 본성적 인간애는 때때로 대책 없는 관대함으로 나타나기도 한다. 너무 관대해 상처를 입거나 손해를 보는 경우도 물 론 있다. 그러나 어머니는 그렇게 살아오셨다. 그리고 후회 없이 동일한 선택을 한다. 믿어주고, 얘기를 들어주고, 용기를 준다. 그것이 내 어머니, 문광자의 모습이고 무명 안에 숨어 있는 우리의 어머니들의 모습이라는 생각이 든다.

 

 

문광자, 모성, 무명

 

몇 주 전, 디자이너로서의 어머니에 대한 이해를 돕는 글을 써달라는 의뢰를 받고 여러 가지 생각을 해보게 되었다. 어떤 내용 의 글을 써야 디자이너 문광자의 이미지가 사실과 가깝게 드러날 수 있을까? 예술계 안에서 예술가의 이미지는 많이 숨겨지거나 조작되는 것이 보통이고, 그나마 드러나는 정보는 좁은 한 가지 맥락 안에 서 극대화되어 신화가 되거나 아이콘이 되는 것을 보아왔기 때문에 이제 한 명의 거장이 된 어머니에 대한 글을 어떤 각도로 써야 하나 고민했다. 예를 들어, 피카소는‘여성에 대한 정복욕’의 아이콘으로, 고흐는‘외로움과 죄책감에 눌린 괴팍한 천재’로 맥락 지어졌으며, 베토벤은‘아버지의 폭력에 대한 반응으로 인생 전체를 통해 괴로워하는, 연민이 필요한 거장’으로 소개되곤 한다. 하지만 한 작가의 삶이 그렇게 단순할 리 만무하다. 잘 모르는 사람이라면 모를까 어머니에 대해서 그렇게 단순화할 수 는 없는 일 아닌가. 나는 그녀가 좋은 의미의 아이콘이 되었으면 하는 바람과 동시에 내 삶의 일부였던 그녀의 평범한 모습에 서 어떤 진실을 이끌어내야 하는 것 아닌가 하는 고심을 했다.

 

내 기억 속 디자이너 문광자는 평범하지 않다. 그러나 솔직히 말하면, 그 특별함은 혁명적이지 않고 심지어 이기적이지도 않아 서 자극적인 선전 문구로 만들어내기가 참 어렵다. 피카소나 베토벤처럼 극적 드라마를 얻어내기 쉽지 않다. 그러나 그녀와 함 께 시간을 보낸 사람들은 하나같이‘그녀의 말에 감동을 느낀다’고 말한다.‘위로를 받고 영감을 얻는다’고 고백한다. 그것은 그 녀가 이 책을 통해 소개하는, 사랑하는 소재인 무명처럼, 직접 입어보고 만져보며 함께하는 시간을 보내지 않으면 그 참가치를 알기 어렵기 때문인 것 같다. 생각이 여기까지 미쳤을 때, 나와 삶을 함께한 어머니로서 문광자의 모습들이 내 마음을 채웠다. 그리고 그녀를 형용하는 파편적으로 흩어져 있던 여러 문장이 하나로 모아지며 디자이너 문광자를 표현할 하나의 단어가 되 었다. 그렇다. 그것은‘모성’이다.

 

어쩌면 너무나도 쉽게 발견할 수도 있었을 이 맥락을 난 왜 이렇게 찾기 어려웠을까? 그것은 그녀가 내 어머니이기 때문이었 을 것이다. 그래서 난 문광자가 근본적으로 갖고 있었고, 자신의 옷을 통해, 삶을 통해 보여주고 있는 그 거대한 아름다움을 지 적해내지 못하고 있었던 것이다. 디자이너 문광자는 거대한 모성의 소유자다. 그 모성은 나와 내 형제만을 대상으로 하는 것이 아니라, 그녀의 삶을 둘러싸고 있거나 그녀의 옷을 통해 그녀를 알게 된 모두룰 향한 일종의 선물 같은 것이다. 그런 그녀가 무 명이라는‘민족적 모성의 결과물’을 만나 이 시대가 요구하는 근원적 필요에 응답하고 있는 것이라는 생각을 해보게 되었다. 이 역사적 조우가 위대한 이유는 그것이 우리 모두를 어떤 정서적 고양으로 이끌 것이기 때문이다.

 

결국, 디자이너 문광자를 통해 무명의 아름다움이 우리에게 가장 필연적인 형태로 주어졌다. 한 벌의 옷이 지닌 멋과 따뜻함을 넘어 우리가 그리워하였으나 찾을 수 없었던 민족적 모성에 대한 실마리를 담은 옷이 만들어졌고, 우리 앞에 놓여 있다. 그 많 은 선한 의도와 환산할 수 없는 가치를 담은 문광자의 무명옷들이 사람들에게 선보일 때, 그녀의 의도처럼 강퍅해진 이 땅의 마음들을 다시 한 번 백색으로 덮어주길 바라본다.

 

- 이성수(화가,조각가)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

MOTHER, DESIGNER, AND MOOMYUNG

 

My name is Soungsoo Lee. I am a painter, sculptor, and the youngest son of Kwang Ja Moon. My childhood memories are of being constantly surrounded by her clothing creations. Because her work has always been an integral part of my life, I once thought all mothers designed clothes. As I matured, we began to discuss color, design, philosophy, and religion. These deep discussions have become a significant part of both my life and my development as an artist.

 

When I think about my childhood, I understand now that my mother consciously chose to sacrifice her career potential by working from home so she could raise my siblings and I. When we were still very young, my mother purchased a home with a large backyard on the outskirts of Gwangju instead of a fancy boutique downtown, so that she could be with her young children. We had two large dogs, a rabbit, a sandbox, and a tall evergreen in the center of the yard. My mother made the sandbox herself, and it was our favorite place to play. My friends loved coming over, too. We would play for hours, building castles with moats and anything else we could imagine.

 

In some of my earliest memories I can still picture an enormous table in her workroom. It was large enough for me to cartwheel across it if I had wanted to. I spent many days exploring this room while she was working. Even when I was barely old enough to lift her large fabric shears, I remember experimenting and trying to cut just about anything in reach. There was something about holding in my hands a tool she used for her creations, which I believe has caused the memory to stay with me still.

 

My mother’s workroom had a small window that allowed rays of sun to shoot through. I would watch the beams intertwine with the dust from the piles of fabric, transforming the particles into tiny stars. Sitting on the floor where the rays would land I could feel the warmth on my face. A feeling would wash over me, like this singular moment with the sparkling stars, the rays, and my mother nearby was something very special and magical. I would lay down where those rays landed and watch her. When she worked her expression was always focused and stern: a furrowed brow, pursed lips, and eyes cast downward as if almost glaring at someone or something.

 

I once asked my mother as she was working, “Are you angry?” As she turned to me her expression brightened from a scowl to a warm smile. She said, “I’m not angry at all,” as she hugged me tightly. Afterward, her focus returned to her designs. I never asked again; her smile and embrace were enough to let me know that the serious expression was meant for her work alone and not me. This is how her boundless love and the gravity with which she addressed her designs became the backdrop of my childhood.

 

Through her designs and lifestyle, my mother influenced my aesthetic sensibilities. I believe this started when I was still small enough to ride on the back of one of our large dogs. I became a critic of her work from an early age. I doubt my opinions ever truly persuaded her, but the way in which she responded so sincerely nurtured my own artistic growth. To say that I was influenced by her philosophy on art is no exaggeration. My own work frequently resembles that of my mother’s in our use of primary colors, the strategic positioning of each hue, their intensity and contrast, and an emphasis on a sense of balance while maintaining an asymmetrical rhythm. The resemblance becomes striking when examining the series of exhibitions we collaborated on in New York and Hawaii, as well as in Moomyung 1, published in 2004.

 

My mother often enjoyed playing host to guests in our home. It was not unusual for her to entertain as many as 20 of her peers in the evenings and have just as many children visit during the day. On any given night, two to four guests would stay over. When I would come home after a day outside playing, I would inevitably find my mother chatting with guests in the living room. Our home was like a large open space. People referred to it as the “Salon Demain,” in reference to the gatherings of French philosophers and literary greats of the 17th and 18th centuries. Poets, sculptors, musicians, and intellectuals shared ideas about art, religion, and fashion. Preparing for these gatherings kept my mother and her staff ever busy. Now, just as then, she’s always on her feet and runs on little sleep. Aside from the occasional nap, it is only in recent memory that I have ever seen my mother take time to rest. Her tireless love, compassion, and continuous service to others are just a few of the reasons I hold her in such high regard and respect. There have been times I have experienced disappointment as well as injustice at the hands of those who have let me down. These experiences have helped me to understand just how extraordinary my mother’s treatment of others is. I believe this genuine warmth flows from her obedience and humility to her faith. She always tells me that the secret to her happiness is her constant love and appreciation of God. The central themes in her designs seem to radiate from her philosophy and optimism. This is why her work remains timeless.

 

 

HER MISSION

 

Regardless of whether she creates a design that is tailored or unstructured, she pursues timelessness and sophistication as its foremost elements. Her clothing designs follow her faith in their solemnity. Some may question how fashion and such sobriety can coexist, but those familiar with her work will agree that her designs demand a certain seriousness from those who wear and appreciate them.

 

This attitude appears in her sketches in many forms. Her clothing can have a Zen-like minimalism, as unassuming as a nun or monk’s habit, or as majestic and elaborate as a monarch’s robes. This inherent diversity is expressed in some designs as simplicity and purity, and in others as bold decoration, like an intricate design of flowers as inspired by nature or even traditional African tribal patterns.

 

With an unwavering pursuit of timeless design, she has borne of her work a confession of love and her true self to the world. The method with which she creates an honest expression of human character and romance becomes infused in her designs. Every piece she makes has a story or represents a character. It could embody anyone from an actress in a classic film to a Bible character. From time to time she has even named a design after one of her favorite literary works. She might be inspired by a film or poem that moved her. I believe these garments, these works of art, can imbue those who wear them with creativity and, for some, even feelings of joy. My mother wants to convey to those who embrace her work a purposeful philosophy. She works to promote progress in the individual and the world through her designs and garments—laughter for the saddened, gentleness for the angry, vitality for the aged, and wisdom for the immature. Those who wear her garments may sense the clothing’s liberating purpose and experience a special moment of escape from the monotony of the day.

 

Her background and intentional design stand alone in their inimitability. How can any creation that is not unique cause such liberation of emotion and transmit progress to the world? I believe the agility that both begins her work and brings it to completion stems from her purposeful message. This is why I believe the title “Artist-Apostle” suits her well.

For my mother, creating garments is a pious and sacred act. It is a message of positivity she shares with the world. For those who accept and agree with her message, her designs become an experience of self-healing and artistic appreciation that stands apart from trends. This is her way of communicating with those who faithfully follow her work.

 

 

ENCOUNTER WITH MOOMYUNG

 

If a speaker fails to convey her intention through the medium of communication, the message becomes meaningless. Moon’s medium is her work. Therefore, it is imperative that her message is effectively delivered through her clothing. This process begins by finding the proper material to deliver the designer’s voice. It was a fateful encounter, that day my mother discovered moomyung in her search for the right medium. She had worked with countless varieties of fabric for more than 30 years before this paradigm shift. Throughout her career, she had dedicated herself to do her best to communicate to the world with the materials she was provided. When she finally found moomyung, she was confident it was the one textile that could truly convey her message. As she often says, moomyung is enough on its own to convey the message she has always hoped to express.

 

You might ask what characteristics moomyung has to have struck the right chord with my mother and convinced her it was the exact material she needed. To this day, I search for that answer. Moomyung’s history points to a few clues. It is important to note that moomyung is made from cotton. Cotton, which is not special in and of itself necessarily, is grown throughout the world and was first introduced to Korea only within the last few centuries, when my family’s ancestor Ikjum Moon brought seeds from China. In a sense, Koreans do not have any sort of exclusive rights to cotton textiles. Nevertheless, it has come to carry special meaning in local culture. In the past, moomyung was considered a humble fabric that represented Korea’s working class. Farmers, fishermen, children, women, butchers, and beggars alike wore clothes made of the material. They wore it in the heat of summer and the cold of winter. To these modest wearers, dyed moomyung was an extravagance. The first foreign travelers to Korea witnessed people in the markets, working on farms, and at sea wearing the white clothing, and came to describe locals as “the nation of white clothes” or “white- clad folks.” Moomyung’s history is entwined with this cultural image of Korea. It may be that it symbolizes a sentiment of the simple, humble Korean, yet one who is also tenacious in matters of import.

 

Moomyung, which symbolizes purity, humility, sacrifice, and restraint, was born of the labor of all women, all mothers. At a time when Koreans had very few resources, moomyung appeared as the product of women’s style and sophistication created with the little they had. Each thread was woven with a mother’s love and devotion. The simple fact that this fabric originated in the hands of our mothers creates an emotional and indispensable experience for those who interact with it. Perhaps the true beauty of moomyung, something that Moon detected instinctively, comes from this concept of our mother’s handling of the fabric. Because all moomyung is handcrafted, there is no uniformity in its threads, just as every mother is unique. At the same time, there is order in its chaos. Moomyung resembles a mother’s instinctive devotion to family and her warm, loving hand with which she mysteriously heals any pain her child suffers.
The foundation of moomyung fabric is like the dignity found in a hopeful mother’s instincts. This dignity gives moomyung a sort of spirituality all its own. This kind of dignity is a gift to people, but is only given to those who are willing to seek it with an open mind and a child’s innocence.

After her first encounter with moomyung, Moon began to purchase as much of the fabric she could find. She believes that we are living in a world where purity and truth are slowly disappearing. Moon could not ignore a fabric that represented the maternal beauty of a culture near extinction. She did not simply preserve the fabric, but has revived it and integrated it into her designs to create something new for the modern world in hopes of a renaissance. Her hope is somewhat akin to a verse from the Bible—the book she reads and meditates on each day: “Now to you who believe, this stone is precious. But to those who do not believe, ‘The stone the builders rejected has become the cornerstone.’” (1 Peter 2:7)

 

 

TWO ATTITUDES

 

Moon avoids interfering with the essence of moomyung when she works with it. This is to transfer the fabric’s key maternal legacy to her work untainted. She handles moomyung delicately, avoiding cutting the material in favor of folding it. If she must make a cut, she uses the remnants in some other decorative way on the garment. She does not mix moomyung with any other textile. She even goes so far as to show connecting hems in the design. Moon takes what some would consider the fabric’s disadvantages, its heaviness and inelasticity, and transforms it into strengths by creating uniquely structured and restrained designs.

 

Additionally, Moon is determined to make known to the world moomyung’s beauty and sophistication. She does not want it to be known only as a fabric of the working class or its use relegated to modern hanbok (traditional Korean attire). The discovery of a sort of sacred maternal sense in moomyung is not enough to satisfy her daring experimentation. It is said there is no self-respecting daughter who would allow her own mother to be left shabby and forgotten, just as Moon went on to revive moomyung as haute couture. Her ambition has transformed moomyung into a majestic material that convinces those who see it to want to possess it. In a way, there is an irony to the material in the same way that the humble Buddha has been embodied as a golden statue, or in the way a simple tent can become a beautiful church. Moon believes that allowing moomyung to remain only a fabric for the working class would be akin to allowing it to deteriorate in a museum.

 

To Moon, the way to preserve the fabric’s dignity is to maximize its artistic elements and reintroduce it to the world. Moomyung has now gained an exalted reputation and rapt attention through its endless promotion as a medium with potential in Moon’s designs. Someday, everyone will talk about moomyung as an unprecedented fabric. It is exceptional and invaluable in the way it contains both history and emotional sentiment.

 

As an Artist-Apostle, Moon endeavors to prove moomyung’s purity. This purity comes from the fabric’s own sacred love and humility. Moon communicates through her designs as she employs her own maternal instincts. It may look as though this comes without much effort on her part, but she has been working towards this goal for many years.

People are drawn to and adore my mother. Could it be simply because she is a generous host? Not quite. Because she gives more than she receives, people often wonder what the secret is to her successful business. She is an optimist and genuine through and through. To state it succinctly, she is a truly warm person. The reason that she is adored by so many is because she sincerely likes people. She was born that way.

 

Sometimes her love for people manifests itself into an impulsive generosity. At times, she has even suffered for her emotional and financial generosity at the hands of those she likes too much. But no matter what, that is how she has lived her life and nothing will change her nature. She will always welcome those who come to her by encouraging them and listening to them. This is how I see my mother and this is how I see the same hidden iconography of all our mothers in moomyung.

 

 

MATERNAL INSTINCT AND MOOMYUNG

 

When the publisher of this book asked me to write about my mother to help people understand who she is, thoughts began to flood my mind about how to convey a true understanding of Kwang Ja Moon. I wanted to avoid the sort of exaggerated legends that surround some artists: Picasso, known for his conquests; Van Gogh, known for his genius as well as his loneliness; or even Beethoven, believed to have agonized over the abuse he suffered at the hands of his father. As you can see, it is impossible to accurately describe an artist’s life in a word or two, and it is certainly impossible for me to do so for my mother. I just hoped I could express the way in which she is both an art and fashion icon. I also hoped to convey the down-to-earth parent I knew as a child.

 

To me, she is extraordinary. But what’s extraordinary about her is neither revolutionary nor self-centered, which is why it is so difficult to think of a single catchphrase to describe her. It isn’t easy to lead a dramatic life like Picasso or Beethoven. However, anyone who has spent time with Moon has been inspired simply by conversing with her. In the same way moomyung is valued by those who have worn and touched its threads, Moon is valued by people who have spent time with her.

 

As images of my mother, the one figure who has been with me all my life, begin to fill my head, all these fragmented pieces with which I have attempted to describe her are coming together into a single, hallowed description that can be summed thusly: maternal instinct. A simple phrase, yet it took a path of discovery on my part to find it. If I have failed to sufficiently convey the great beauty she has demonstrated throughout her life and work, it is only because I am so close to her. Moon contains immense stores of motherly instinct. She bestows that gift on her family as well as those she touches through her designs.

 

Moon’s encounter with moomyung is of historical importance in that it was a response to humanity’s basic needs in this modern period and the way that fateful meeting has propelled us toward higher cultural ground. Through her, its beauty has become known to us all. It transcends the superficial aesthetic a simple garment possesses alone. This medium and art form provides the maternal warmth our modern culture so longs for. It is my sincerest hope that her priceless message, transmitted through moomyung’s perfection, will find its way to soften those hardened by this world.

 

– Soungsoo Lee, artist